Old Masters

La nostra selezione di Antichi Maestri è incentrata sulle scuole Nord Europee, favorendo la pittura fiamminga di alta epoca ed il Rinascimento Tedesco.

Attenzione particolare è poi dedicata all’universo dei Brueghel, che rappresentano -per fama, valore ed importanza- l’eccellenza assoluta dell’arte fiamminga. In questo campo specifico, siamo in grado di fornire  svariate tipologie di dipinti della Dinastia Brueghel e della loro cerchia, studiate per qualsiasi tipo di acquisto.

Infine, proponiamo anche una selezione di opere dalla Golden Age olandese.

Herri met de Bles II

Jan Brueghel II e Frans Wouters

Antoine Mirou

Sebastian Vrancx

Abraham Govaerts e Pieter van Avont

Jan van Kessel il Giovane

Ambrosius Francken II

Marcellus Coffermans

Monogrammista HS

Jan Brueghel II e Pieter van Avont

Kerstiaen de Keuninck

Adam van Noort

Il Maestro del Pappagallo

Jan Brueghel II e Pieter van Avont

Christiaen van Couwenbergh

Frans Pourbus I

Marten Ryckaert

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  Herri met de Bles II

  (conosciuto anche come il Maestro della fuga in Egitto di Copenhagen)

  Paradiso Terrestre

  Olio su tavola

  1540 c.

  Expertise Luc Serck.

  Nel profondo di una foresta primordiale, un uomo ed una donna discutono. Intorno a loro, un folto gruppo di animali è ai piedi di un’alta fontana. Sullo sfondo, il paesaggio si estende a perdita d’occhio rivelando gigantesche montagne dal colore glaciale. È il paradiso terreste. La scena centrale è la Caduta dell’Uomo. Se si dovesse fare una selezione dei temi che hanno occupato una posizione di privilegio nella visione del mondo della pittura fiamminga, quello del “Paradiso terrestre” occuperebbe un posto privilegiato: dai Primitivi fiamminghi fino ai Brueghel. E, in mezzo a questi, Hieronymus Bosch. Proprio da lui occorre partire per esplorare un dipinto tanto unico quanto enigmatico, quale è la nostra piccola tavoletta.

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  Jan Brueghel II e Frans Wouters

  Allegoria del Fuoco

  Olio su tavola

  cm 56x89

  1645 ca.

  Expertise K. Ertz

  Celebre membro della così detta Dinastia Brueghel, Jan Brueghel II è considerato uno dei più eminenti e rappresentativi artisti fiamminghi del pieno '600. La sua prospera carriera artistica può riassumersi attraverso la reiterazione degli stilemi paterni, divulgati con eccellenza e diligenza tale da poter attribuire a lui il merito di aver reso famoso in tutto il mondo lo “stile Brueghel”, a sua volta associato all'arte fiamminga per antonomasia. Se molte delle composizioni e soluzioni iconografiche utilizzate da Jan II sono debitrici di invenzioni paterne, a partire dalla seconda metà del secolo lo stile e l'inventiva del pittore si fanno più consapevoli e autonome, permettendogli di esprimere al meglio il suo potenziale. Ne è un perfetto esempio la nostra opera, appartenente al genere allegorico. La tavola, di ampio formato e in perfetto stato di conservazione, raffigura la Guerra in chiave allegorica, attraverso la sua declinazione in senso tecnico/pratico e per mezzo di una serie di figure simboliche. L'opera, di eccezionale livello qualitativo, non deriva da nessun testo iconografico o filosofico preciso, a differenza delle allegorie dei quattro elementi dipinte da Brueghel dei Velluti nel 1614 e realizzate su indicazioni del Cardinal Borromeo, derivando invece direttamente dalla fantasia artistica del pittore. Lo spunto per la diffusione di un soggetto del genere è certamente legato alle vicende della Guerra dei Trent'Anni, che dal 1618 al 1648 coinvolse duramente tutte le principali potenze europee dell'epoca, ma le scelta di declinare il soggetto in maniera fortemente simbolica è un originale merito dell'artista.
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  Antoine Mirou

  Paesaggio boscoso dopo un Acquazzone

  Olio su tavola

  cm 33x49

  1610 ca.

  Expertise Luuk Pijl

  Pittore fiammingo rappresentate della così detta “scuola di Frankenthal”, cittadina della Germania occidentale in cui ripararono, a seguito delle lotte tra Cattolici e Protestanti, numerose frange di popolazione belga che non intendevano riconvertisti al cattolicesimo in seguito alla conquista spagnola del Belgio. La fonti lo segnalano in città a partire dal 1563 fino al 1621. I suoi paesaggi sono ascrivibili al periodo che va dal 1602 al 1661, se si accetta la data del Paesaggio della Galleria Nazionale di Parma. La composizione e il colore di dipinti come la Tentazione di Cristo (1607, Alte Pinakothek di Monaco di Baviera) o il Paesaggio con cacciatore (1640, Kunsthalle di Mannheim) attestano l'influsso di Gillis van Coninxloo, fondamentale punto di riferimento per i paesaggisti di gusto pre-barocco. L’influsso di Brueghel dei Velluti, inoltre, si manifesta nell’impegno ad imitarne lo stile minuzioso e la policromia raffinata, cangiante, interessata agli effetti atmosferici della luce a contatto con le superfici naturali. I dati attualmente disponibili suggeriscono che l'artista abbia trattato solo alcuni temi nella sua opera: paesaggi boscosi caratterizzati da alberi densi che riempiono l'intera superficie del dipinto, nonché scene di vivaci strade del villaggio immerse in un paesaggio roccioso. La nostra composizione, di sapore sofisticato, è ricca di accenti luministici e atmosferici, con grande attenzione per la resa della luce tra le nuvole, a suggerire la fine di un temporale e l’imminente riapparsa del sole e il lieve accenno ad un arcobaleno, che si può intuire in controluce al centro: quasi più uno spettro materico che una forma nettamente distinguibile. Di gusto assolutamente “Frankenthal” la composizione architettonica al centro, un immaginario agglomerato di case, torri, ponticelli e coltivazioni, il tutto al centro di un lago. L’evidente dicotomia tra attività umana ed incanto della Natura si esprime appieno nelle piccole scene venatorie che popolano l’animato bosco, idealmente aperto come quinta teatrale sulla scena centrale. Si noti il tocco raffinato del grigiore atmosferico, volto a suggerire l’intensa, fredda, umidità ancora presente nell’aria e nel terreno, pregno di acqua. Oltre il piano della scena principale, si possono scorgere anche una donna che lava il bucato ed un carro trainato da alcuni cavalli bianchi. Tale concezione dello spazio e del paesaggio è frutto di speculazione teorica -mentale- , che ama definire anche un soggetto così apparentemente legato alla dimensione realistica attraverso l’immaginazione, la fantasia e la ricomposizione di elementi in un insieme ideale ed onirico: il paesaggio fiammingo per antonomasia.
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  Sebastian Vrancx

  In cammino verso la Pace

  Olio su tavola

  Cm 24x34

  1620 ca.

  Expertise Luuk Pijl

  All’interno di uno scenario dall’ampio orizzonte, lungo una strada tortuosa e incisa per mezzo di pennellate marcatamente grafiche, un gruppo di viandanti armati di lancia conduce una mandria di bovini verso la città che si scorge sullo sfondo. Al crocevia delle strade, si scorgono tre strutture differenti: un mulino, un tempietto votivo dedicato alla Vergine e -sinistro suggello- una collina destinata ad ospitare varie forme di pena capitale, una forca e la ruota. A contorno, due grandi alberi nodosi e secchi sono popolati da alcune gazze, mentre in lontananza si scorge un’intero stormo librarsi sopra la scena. In fondo, ove la luce del sole illumina il paesaggio con accenti di verde intenso, si intravede un arcobaleno. L’opera, che è tra quelle maggiormente vicine per stile e contenuto a Pieter Brueghel II, apre una parentesi di indagine sugli interessi del Vrancx per i soggetti storici e allegorici. Il periodo di attività del pittore, infatti, è quello delle Guerre di Religione (in particolare, quella dei Trent’anni ed i massacri Spagnoli in Belgio) e non mancano numerosi esempi di dipinti dedicati a battaglie, scorrerie di briganti e attacchi a carovane, in cui emerge forte l’aspetto legato alla violenza della guerra. La scena qui rappresentata, però, non si concentra su un momento bellico o sull’assalto dei briganti, ma al contrario ritirare un gruppo di uomini avanzare verso la luce e l’arcobaleno della città. La Guerra è finita, dunque, per lasciare spazio alla Pace. Le lance tenute in mano non serviranno più per offendere, ma per guidare i capi di bestiame. Al crocevia delle strade -che sono quelle del Destino- il Pellegrino incontra la Fede (rappresentata dal Pilone Votivo), si lascia alle spalle la Guerra (la collina dei supplizi) e scorge il Mulino alle porte della città (l’operoso lavoro dell’Uomo). Il Viandante in primo piano ci invita all’interno della scena voltandosi verso l’osservatore e suggerendo di approcciarsi al paesaggio con più sottile attenzione. La possibilità di molteplici piani di lettura non deve sorprendere, in quanto caratteristica tradizionale dell’arte fiamminga e, come visto, metodo gradito a Vrancx. Tuttavia, la nostra composizione non è nota in altre repliche autografe e pertanto costituisce un esemplare unico nel catalogo dell’autore, qui in grado di conciliare in un solo dipinto il genere del paesaggio, il soggetto storico e quello allegorico.
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  Abraham Govaerts e Pieter van Avont

  Sacra Famiglia con Angeli entro un Paesaggio

  Olio su rame

  Cm 37x47

  1630 ca.

  Expertise Klaus Ertz

  Pittore paesaggista di prim’ordine, Abraham Govaerts è considerato tra i massimi rappresentanti della scuola fiamminga di inizio ‘600, vivendo ed operando ad Anversa con il ruolo di trait d'union tra le diverse personalità artistiche e collaborando con scioltezza e versatilità sia con i Brueghel, che con i Francken, che volentieri ultimavano la parte figurativa delle sue opere. In questo caso, le figure sono state realizzate da Pieter van Avont, specialista del settore. La nostra composizione risente chiaramente degli schemi e della grammatica figurativa di Jan Brueghel I: il colore acceso, freddo e metallico, con una piacevole predominante del verde e del blu, permette di collocare l’opera in una fase iniziale dello stile di Govaerts, ancora parzialmente vicino ai dettami della così detta “Scuola di Frankenthal”, quella particolare corrente artistica formata da pittori specialisti di paesaggio, a cavallo tra fine ‘500 ed i primi decenni del ‘600. La variante di azzurri inscenata da Govaerts è formidabile, tanto da esser riuscito a conferire all’intera atmosfera del dipinto una tonalità diffusa, che trasmette una sensazione quasi surreale all’ambiente, come se si trattasse di una sfera d’acqua entro la quale è stata bloccata. Così, l’episodio evangelico del Riposo dalla fuga in Egitto diventa l’espediente per inscenare una natura dai colori squillanti, con ricchi accenti di turchese e verde acqua, valorizzati da una vasta gamma di dettagli naturalistici, dal roseto a destra, ai frutti in alto, dai cervi che si abbeverano nel cristallino specchio d’acqua ai porcellini d’India in primo piano, ognuno carico anche di significati simbolici: le rose sono simbolo di Maria. È l’indubbia capacità dello “stile Brueghel” di conquistare l’occhio con incredibile facilità, disciogliendo la più tipica materia stilistica con disinvoltura e metodo infallibile, cesellando i dettagli come in un lavoro da oreficeria e scegliendo sempre un accordo cromatico vibrante, con l’obbiettivo di sollecitare lo sguardo. I pingui putti che circondano la Sacra Famiglia, poi, aggiungono un ulteriore tono di delicatezza alla scena, attraverso un atteggiamento aneddotico e giocondo, ricco di joie de vivre.
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  Jan van Kessel il Giovane

  Natura in posa con scoiattolo, pappagallo e tazze di porcellana

  Olio su tela

  cm 34x42

  1660 ca.

  Si ringrazia Klaus Ertz per aver confermato la paternità dell'opera

  Pittore fiammingo, discendente di una grande dinastia di pittori. Figlio del noto pittore Jan Van Kessel il Vecchio, che era il suo insegnante fin dalla tenera età. Da lui ha ereditato la sua abilità nel rappresentare nature morte, dove di solito troviamo pesci e uccelli. Ha anche realizzato paesaggi, un fatto che conosciamo grazie al pittore Palomino che ha elogiato questa tipologia di opere, anche se non vi è alcun esempio con una certa attribuzione. Nel 1680 viaggiò in Spagna, dove ottenne una grande reputazione come ritrattista alla corte di Madrid, grazie al successo dei ritratti che fece di María Luisa de Orleans, prima moglie di Carlo II. Nel 1686 divenne pittore del sovrano, entrando in diretto contatto con la corona realizzando anche ritratti del re. Dopo la morte della prima moglie di Carlo II, continuò a esercitarsi come ritrattista di corte, ottenendo il favore della nuova moglie del monarca, Mariana de Neoburgo. Con il cambio della dinastia regnante e l'avvento di Filippo V nel 1700, l'artista iniziò un declino della sua popolarità e favore reale, a causa del suo legame con la regina vedova Mariana de Neoburgo, che accompagnò nel suo esilio a Toledo, sebbene non potesse seguirla a Bayonne, a causa dell'età avanzata e della salute precaria. L’opera decanta con esemplificazione magistrale l’arte di Jan II nel suo momento di massima vicinanza con l’arte paterna, traghettandola verso una più ampia visione spaziale ed un gusto maggiormente addentrato nello stile del Barocco maturo. Se la minuziosa natura morta floreale sulla sinistra, con le delicate trasparenze del vetro e le dettagliate venature dei fiori, rimanda chiaramente agli insegnamenti paterni, la prosperosa zucca aperta, l’anguria e il piatto di frutta sono invece elementi più tipici dell’autore. Di grande fascino è poi la preziosa tazza di porcellana “blu di Cina” ricolma di piccole fragoline di bosco in primo piano, così come il contenitore più grande, esondante di pesche, prugne e pampini d’uva: all’epoca l’importazione della porcellana cinese Ming era un esclusivo appannaggio delle classi sociali più abbienti, nonché motivo di vanto delle principali corti europee. Ad animare la scena -per cui sarebbe meglio parlare di natura in posa, piuttosto che di natura morta- la presenza di due irrequieti scoiattoli che fiutano e rosicchiano le gustose offerte della tavola. Appollaiato in cima al vassoio di frutta, un pappagallo pare strillare contro i due roditori, sottolineando il binomio selvatico/addomesticato che contrappone le due specie con quel tipico gusto Barocco per le allusioni concettuali. Infine, sullo sfondo bruno è possibile notare un cardellino in picchiata, che sta per catturare una piccola farfalla appoggiata sul ramo di prugne. Con tocchi raffinati, grande abilità tecnica e sagace capacità di osservazione, Jan van Kessel ci fornisce un elegante saggio del genere pittorico per cui divenne famosa la sua famiglia di artisti.
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  Ambrosius Francken II

  Crocifissione

  Oil on panel

  cm 64x50

  1610 ca.

  Expertise Jan de Maere

  L’opera, proveniente dalla prestigiosa collezione Dentice di Frasso di Roma, è strettamente legata ad un prototipo figurativo michelangiolesco, forse tra le fonti iconografiche maggiormente diffuse di tutto il ‘500: Il Cristo Crocefisso di Buonarroti. L’opera (andata perduta) si diffuse in tutta Europa per mezzo di stampe e disegni, assurgendo in breve tempo a canone figurativo per l’anatomia di Cristo nudo, in particolar modo per gli artisti che, come Frans Floris e Marten de Vos, stavano scoprendo con entusiasmo la maniera italiana di concepire le anatomie e la concezione classica dello spazio di cui l’arte tosco/romana si era fatta propugnatrice. Nello specifico, almeno due grandi composizioni -strettamente legate alla nostra- sono oggi note. Tra i migliori continuatori della tradizione figurativa tardo-romanista, ci furono i primi membri della dinastia dei Francken. Tra di loro, Ambrosius Francken II, noto anche per aver ultimato alcune opere lasciate incompiute da De Backer al momento della sua prematura morte. Una datazione alla fase iniziale dell’operato di di Ambrosius II permette altresì di leggere con dimestichezza la forte vicinanza alla grammatica figurativa di Hednrick Goltzius, la scelta di concentrasi sulla capacità di rendere espressioni e anatomie in maniera vibrante e muscolare, accompagnando il tutto con panneggi leggeri e dinamici e senza distribuire nel quadro riferimenti simbolici e allegorici, secondo quella consuetudine che diverrà poi tipica nella fase finale dell’autore.
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  Marcellus Coffermans

  Madonna con Bambino

  Olio su tavola

  cm 11,6x8,4

  1560 ca.

  Expertise Marie Grappasonni

  L’opera, che trae fascino dalle sue dimensioni “da cartolina” nonché dallo stato di conservazione eccezionale, gode di solide comparazioni con alcune degli esiti migliori del Coffermans. La composizione con la Sacra Famiglia con Angeli (Fig. 2) -unica opera opera firmata e dunque fondamentale per la ricostruzione del corpus pittorico- mostra chiaramente l’utilizzo del medesimo modello fisionomico per la Madonna ed il Bambino. Ma, al di là di questo, è il peculiare trattamento delle superfici materiche a dimostrare l’abilità tecnica del pittore, costantemente proteso alla perpetrazione dello stile dei Primitivi Fiamminghi. L’abilità di rendere lo sfumato gioco di luci ed ombre sull’epidermide dei volti, le gamme cromatiche pastose, la quieta compostezza dei moti sentimentali dei personaggi, accomunano la Crocifissione conservata al Museo Nacional de San Carlos con la nostra Madonna: il volto intimamente legato a quello del Bambino, la fulva capigliatura che si può intravedere sotto il velo trasparente, il manto cremisi dal quale emerge un vestito di velluto narrato per mezzo delle mutevolezze cromatiche, le mani tipicamente affusolate ed il fondo totalmente scuro, nel quale le figure si stagliano come un’unica entità metafisica, sono i mezzi espressivi della devotio moderna, una particolare forma di culto cristiano che ebbe larga diffusione nelle Fiandre del ‘500 e che promulgava un’intensa comunione religiosa con Cristo e la Madonna, anche per mezzo di una fervente devozione alle immagini sacre. La pratica ha radici molto antiche in contesto nordico e trova le sue origini nelle sacre rappresentazioni tardo medievali. Il realismo perfetto per lo scopo fu proprio quello dell’arte fiamminga del ‘400 e del ‘500, in cui i particolari realistici vennero accentuati e utilizzati in funzione simbolica, sulla scia di Rogier van der Weyden e Jan van Eyck. Un’opera dal potente simbolismo, capace di imporsi allo spettatore con la forza di una visione trascendente, vera e propria conquista di quell’arte fiamminga delle origini, che come nessun’altra seppe coniugare realtà e simbolo.
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  Monogrammista HS

  La coppia male assortita

  olio su tavola, cm 28x42,5.

  Si ringrazia il Cranach Research Insitute ed il Dr. Peter Schmelzle per aver confermato la paternità dell'opera.

  Opere di gusto squisitamente "cranachiano". Hans Stronmayer è principalmente conosciuto per la sua attività di incisore, mezzo espressivo nel quale era solito firmarsi con il monogramma HS. Allievo di Lucas Cranach I e suo abile seguace, il Monogramissta ama soffermarsi su temi particolari, stravaganti e anticlassici secondo quel tipico gusto tedesco del '500.
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  Jan Brueghel II e Pieter van Avont

  Madonna col Bambino in un paesaggio

  Olio su rame

  Cm 21x16,5

  1630 ca.

  Con cornice antica

  Expertise K. Ertz

  Deliziosa, minuta opera di Jan Brueghel il Giovane, qui in collaborazione con Pieter van Avont per la parte figurativa, con cornice coeva ed in perfetto stato di conservazione. Questa tipologia di dipinti era destinata alla devozione privata e/o all’uso ornamentale per i cabinet des interieurs, dove venivano disposti a copertura di intere pareti, assieme ad altre opere, come si può ben vedere nei quadri raffiguranti queste gallerie e sovente realizzate da Frans Francken ed Adriaen van Stalbempt, con una funzione anche pubblicitaria per mostrare le opere disponibili sul mercato anversese.
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  Kerstiaen de Keuninck

  Paesaggio montuoso con Tobiolo e l'Angelo

  olio su tavola

  cm 81x120

  1620 ca.

  Arcaico paesaggista di Anversa nello stile di T.Verhaecht e R.Savery. Dipinse preferibilmente paesaggi montuosi boscosi con grandi piante, vallate talvolta animate da piccole figure Bibliche in primo piano. Sua caratteristica è la lumeggiatura che nel paesaggio ha una serie di raggi obliqui lucenti che a loro volta intersecano il cielo creando cosi una atmosfera irreale e fantastica. A differenza di Jan Brueghel il Vecchio, che era una figura di spicco nello sviluppo della pittura paesaggistica realistica, Kerstiaen de Keuninck continuò la tradizione fiamminga di scenari di montagna immaginari che discendevano da Patinir. Questa grande veduta panoramica, dominata da fantastiche montagne e formazioni rocciose, è una delle prime opere dell'artista e probabilmente fu dipinta ad Anversa. Illustra la sua preoccupazione per gli effetti pittorici contrastanti - come i passaggi appesantiti da una vernice opaca in contrapposizione con aree disegnate con un tratto molto sottile - e con motivi audaci come lo spruzzo d'acqua formato dal tocco del pennello. In questo artista, a differenza di autori come Martin Ryckaert, la Natura è caratterizzata da un’atmosfera sovrastante, in cui le figure umane si perdono lungo sentieri tortuosi, alle pendici di formazione rocciose immense, ben oltre il plausibile, senza troppa attenzione per le proporzioni, ma anzi con estro volutamente accentuato: l’obbiettivo è sottolineare gli aspetti più selvatici della Natura, vista come elemento difficilmente domabile e come simbolo -di sapore biblico- dell’insignificanza dell’Uomo rispetto al Cosmo.
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  Adam van Noort

  Madonna and Child with Saint Joseph

  Olio su tavola

  79,4 x 56,8 cm

  1580 ca.

  Archiviato presso RKD come Adam van Noort.

  Definito da van Mander nel 1604 un "abilissimo pittore di personaggi", Adam van Noort è considerato tra i più importanti artisti fiamminghi della delicata fase di passaggio tra la pittura tardo-manierista e romanista e il barocco fiammingo propriamente inteso. Figlio di Lambert van Noort (di cui si ricorda la monumentale pala conservata nell’Oratorio della Santissima Annunziata di Ferrara), come il padre prima di lui, l’artista deve gran parte del suo stile alla formazione italiana e ad una sapiente assimilazione delle più aggiornate conquiste peninsulari in termini di spazialità e plasticismo.
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  Il Maestro del Pappagallo

  Madonna col Bambino (Virgo Lactans)

  olio su tavola

  44,5x32,5 cm

  1530 ca.

  L’autore prende il nome da un articolo di approfondimento che lo storico d’arte Maximilian Friedlander gli dedicò nel 1948 e nel quale lo studioso raggruppò un primo numero di opere attorno ad una personalità di cui non si conosceva il nome, ma che risultava abbastanza chiara da un punto di vista stilistico. Il curioso soprannome scelto deriva dall’insistenza e dalla tipicità con la quale un certo numero di opere mostra la presenza di un pappagallo. Tuttavia, oggi è possibile assegnare all’artista un numero di opere più vario ed ampio, anche grazie alla recente scoperta di una Madonna col Bambino (senza pappagallo) firmata per esteso “Cornelis Bazelear Fecit” di indiscutibile chiarezza stilistica.
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  Jan Brueghel II e Pieter van Avont

  Paesaggio boscoso con Riposo durante la Fuga in Egitto

  Olio su rame

  cm 48x65

  1630 ca.

  Expertise K. Ertz

  Magnifico esempio di collaborazione, secondo la pratica diffusa ad Anversa nel XVII secolo, tra Brueghel II come specialista di paesaggio e van Avont come pittore di staffage, cioè la pittura di personaggi. La composizione è tra le più celebri del Brueghel II e fu sovente copiata ed imitata da molti seguaci, per via della sua capacità di coniugare al meglio soggetto sacro e paesaggio ideale. Così, l’episodio evangelico del Riposo dalla fuga in Egitto diventa l’espediente per inscenare una natura dai colori squillanti, con ricchi accenti di turchese e verde acqua, valorizzati da una vasta gamma di dettagli naturalistici, dal roseto a destra, ai frutti in alto, dai cervi che si abbeverano nel cristallino specchio d’acqua ai porcellini d’India in primo piano, ognuno carico anche di significati simbolici: le rose sono simbolo di Maria, l’albero di mele allude al peccato originale, i cervi si riferiscono ad un celebre salmo in cui si prefigura la venuta di cristo (Salmo 41: <>), mentre le piccole cavie simboleggiano l’evangelizzazione delle Americhe.
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  Christiaen van Couwenbergh

  Il ritrovamento di Mosè

  Olio su tavola

  cm 123x,5x118

  Firmato e datato1640

  Publicato:

  Wolfgang C. Maier-Preusker, Christiaen van Couwenbergh (1604 – 1667) oeuvre und wandlungen eines hollaendischen caravaggisten, ed. Wallraf-Richartz-Jaharbuch – Band LII-1991.

  Si ringrazia inoltre il Professor Wayne E. Franits per aver confermato la paternità dell'opera.

  Importante pittore della scuola caravaggista e classicista olandese, van Couwenbergh nacque a Delft ed operò principalmente a L'Aia, intervallando la sua carriera olandese con diversi viaggi in Italia che gli permisero di assorbire pienamente la maniera caravaggesca e una concezione classicheggiante dello spazio e del corpo, pur mantenendo sempre una grammatica figurativa del tutto personale. Tra i suoi committenti, si annoverano il Principe Federico d'Orange e la regina Cristina di Svezia. Della grande tavola qui in oggetto sono note due varianti. La prima, databile sempre al 1640 (Bruxelles, Museo delle belle arti), mostra una composizione più castigata, con la presenza della regina egizia e delle sue cortigiane riccamente vestite. La seconda decisamente più simile, ma di maggiore estensione spaziale e più dispersiva (1649 ca.). La nostra versione, che in funzione della firma e della data costituisce un appiglio sicuro per la cronologia dell'autore, deve necessariamente considerarsi una prima variante a meno di non retrocedere la datazione delle altre due opere: Preusker, al tempo della pubblicazione, non aveva potuto osservare la firma e la relativa data del 1640. Il dato è di fondamentale importanza per la ricostruzione dello stile e dell'evoluzione artistica di Couwenbergh verso gli esiti più maturi del suo operato e le sue ricerche stilistiche nel campo della figura umana nuda.
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  Frans Pourbus I

  Portrait of young man

  Oil on panel

  cm 20x15

  Opera tipica dell'autore e di prestigiosa provenienza nobiliare inglese.
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  Marten Ryckaert

  River Landscape

  olio su tavola

  cm 27x32

  1615 ca.

  Antologico e dettagliato esempio dell'arte del maestro fiammingo del paesaggio per antonomasia, tra le migliori prove del Ryckaert.