La nostra selezione di Antichi Maestri è incentrata sulle scuole Nord Europee, favorendo la pittura fiamminga di alta epoca ed il Rinascimento Tedesco.
Attenzione particolare è poi dedicata all’universo dei Brueghel, che rappresentano -per fama, valore ed importanza- l’eccellenza assoluta dell’arte fiamminga. In questo campo specifico, siamo in grado di fornire svariate tipologie di dipinti della Dinastia Brueghel e della loro cerchia, studiate per qualsiasi tipo di acquisto.
Infine, proponiamo anche una selezione di opere dalla Golden Age olandese.
Roelant Savery e Hans Savery II
Jan Brueghel II e Pieter van Avont
Frans Francken III
Il Maestro della Crocifissione di Anversa
Frans Francken II
Monogrammista HS
Jasper van der Lanen
Jan Brueghel II e Pieter van Avont
Gillis Mostaert
Nicolas Neufchatel (conosciuto anche come Nicolas Lucidel)
Adam van Noort
Adriaen van Ostade
Il Maestro del Pappagallo
Pieter Neefs il Vecchio
Cornelis van Poelenburgh
David Vinckboons
-
Roelant Savery e Hans Savery IIPaesaggio Litoraneo con Torre Saracena
olio su tavola circolare
diametro cm 49,5
pubblicato : K. Mullenmeister, Roelant Savery, catalogo ragionato, Neues und Erganzungen zum Oeuvreverzeichnis, Freren, 1988, pag 74, n. 257a.
L’opera, che nella circolarità è ancora memore del “paesaggio-mondo” così come lo avevano concepito Patinir ed Henri met de Bles, è intrisa di un respiro cosmico: le magnifiche nuvole, di perfetta esecuzione, lasciano penetrare sulla terra i raggi del sole, ora liberi di illuminare la terra e gli uomini, rientrati dopo le fatiche della pesca e finalmente al sicuro dai terribili Leviatani che il mare, cupo, abissale e minaccioso, ancora nasconde. Sull’altro versante, la costa è subito inghiottita da una foresta di conifere, lasciando all’Uomo il solo spazio vitale che, come una sottile linea, si estende tra il mare e la foresta. Gli animali e le piante sono riprodotti con un occhio in bilico tra attinenza scientifica e favola erudita, secondo il tipico approccio di Hans Savery (suo il celebre dipinto che raffigura il Dodo, ancora non estinto nel XVII secolo). Con un’epicità degna di Bruegel il Vecchio, l’Artista tratta il tema -tipico della paesaggistica fiamminga dell’epoca- del rapporto tra Uomo e Natura inteso come riflessione esistenziale sul limiti del primo e sul significato della seconda: le ridotte dimensioni degli esseri umani ritratti, pur nel virtuoso esercizio delle loro abilità tecniche (la pesca e l’architettura come coercizione e dominio del mondo), li riduce a creature biblicamente impotenti, soggiogate da un ciclo meccanico e naturale dal quale non si possono liberare, inconsapevoli burattini di un disegno più grande di loro, forse giocato da forze fisiche di cui non si conosce il funzionamento o da entità metafisiche che si manifestano attraverso fenomeni naturali, siano essi tempeste, bagliori di luce tra le nuvole o l’impenetrabile -struggente- bellezza del mondo. -
Jan Brueghel II e Pieter van AvontPaesaggio con Sacra Famiglia e Angeli
Olio su rame
cm 48x65
1630 ca.
Expertise K. Ertz
La sottilissima foglia di rame su cui l’opera -in perfetto stato di conservazione- è stata realizzata è di dimensioni notevoli ed è probabile che fosse destinata ab antiquo al mercato spagnolo e messicano, secondo una diffusa pratica commerciale molto in voga a partire dagli anni 30 e 40 del ‘600, tale per cui la pittura fiamminga su rame di stampo brueghelliano ebbe una diffusione ed un successo inusitato a livello mondiale: è l’indubbia capacità dello “stile Brueghel” di conquistare l’occhio con incredibile facilità, disciogliendo la più tipica materia stilistica con disinvoltura e metodo infallibile, cesellando i dettagli come in un lavoro da oreficeria e scegliendo sempre un accordo cromatico vibrante, con l’obbiettivo di sollecitare lo sguardo. I pingui putti che circondano la Sacra Famiglia, poi, aggiungono un ulteriore tono di delicatezza alla scena, attraverso un atteggiamento aneddotico e giocondo, ricco di joie de vivre. -
Frans Francken IIIGiochi di Scimmie (allegoria della condizione umana)
Olio su rame
Cm 22,5x31,5
1660-70 ca.
Opera firmata F.Franck
Expertise Ursula Haerting
Nella sua antologica trattazione dell’Opera di Frans Francken, la studiosa Ursula Haerting dedica un capitolo specifico ai dipinti aventi come soggetto le scimmie. Sebbene sia noto dalle fonti che Francken II si fosse ampiamente dedicato al tema, la studiosa gli attribuisce solo quattro opere -su base stilistica- suggerendo che gran parte della produzione sia da assegnarsi al fratello Hyeronimus Francken e al figlio Frans Francken III, i quali, però, non furono soliti firmare le opere. Questo fino alla scoperta del nostro inedito dipinto, che pertanto costituisce un documento di eccezionale importanza nel catalogo dell’autore. Frans Francken III nacque ad Anversa nel 1607 da Elisabeth Plaquet e Frans Francken II, di cui fu allievo. Nel 1639-1640 entrò a far parte della Corporazione di San Luca e nel 1655-1656 ne divenne decano. Collaborò, come pure il padre, con altri artisti dipingendo le figure di staffage nelle loro opere, come Pieter Neefs I, Pieter Neefs II con cui realizzò rappresentazioni di interni di chiese e, in generale, fu un pittore eclettico: si dedicò infatti alla pittura ritrattistica, come pure alle nature morte, in particolare floreali, soggetti di genere, architetture, quadri per gallerie d'arte (cabinet des interieurs) e soggetti religiosi. L’opera, in fantastico stato di conservazione, mostra lo stile tipico del barocco fiammingo maturo, con forti influenze paterne: la paletta cromatica essenziale, la delicatezza degli strati pittorici, le lumeggiature smaltate e la tempra nervosa con cui sono caratterizzate le sei scimmie che animano la scena ci parlano di un piccolo, irresistibile e fascinoso gioiello d’arte, in cui la mano di un Maestro si impone all’occhio con inappuntabile superiorità e consapevolezza. -
Il Maestro della Crocifissione di AnversaAdorazione dei Magi
Olio su tavola
Cm 69x56
1520 ca.
Expertise Jan de Maere
Il “Maestro della Crocifissione di Anversa”, identificato in Adriaen van Overbeke, fu una delle più tipiche personalità della pittura fiamminga del ‘500, in particolare di quella scuola che passa sotto la definizione di “Manierismo Anversese”. La prolifica bottega di cui fu a capo era specializzata nella produzione di grandi polittici e trittici, ottenuti per mezzo di un caratteristico assemblaggio di sportelli dipinti e nicchie occupate da sculture policrome: questi grandi “macchinari religiosi” ebbero larga diffusione in Europa settentrionale durante la prima metà del XVII secolo e sono documentate commissioni anche in Scandinavia e Polonia. Oggi, molti di questi polittici sono andati perduti e smembrati tra collezioni private e musei, costituendo una rara e preziosa documentazione della più tipica produzione fiamminga di primo ‘500. Non fa eccezione il nostro dipinto, probabile sportello centrale di un trittico smembrato. La scena è compressa e agitata, secondo il modus operandi caratteristico del Maestro, che concepisce lo spazio e la relazione tra i vari personaggi con concitazione teatrale, mentre quest’ultimi si affannano a commentare e a partecipare all’incredibile avvenimento di cui sono spettatori. Del resto, secondo il tipico gusto del Manierismo Anversese, il corteo dei Magi è pensato come una carovana esotica di cavalieri e sapienti con mezzelune e turbanti, giunti da terre lontane coi loro doni, contenuti in preziosi reliquari d’oro, in cui si evince -come da consuetudine nelle botteghe artistiche fiamminghe del 500- l’intervento di quella nutrita bottega di cui si è fatto cenno all’inizio. La ricchezza delle vesti raggiunge livelli qualitativi eccelsi in alcuni particolari, come la manica a sbuffo ricamata con broccati dorati in campo rosa nella veste di Melchiorre, dalla lunga e folta capigliatura e con l’espressione accigliata, ritratto mentre si protende verso Maria per mostrar il suo dono. Quest’ultima, è a sua volta vestita di un manto intensamente blu e ornato di pelliccia e ricami d’oro, mentre il suo capo è avvolto da un velo di tale leggerezza da essere delineato per soli accenni di bianco. Inginocchiato, l’anziano Caspare è ritratto di profilo: il volto ricco di rughe calligrafiche, le mani nodose ed i capelli radi lasciano intravedere il disegno sottostante, genuino e meditato, ricco di pentimenti, tipici delle composizioni più originali (si noti il cambio di posizione di alcuni dettagli, come il gesto del Bambin Gesù). Le catene d’oro e la ricca cintola, la levigata lucidità del volto di Maria, la perfezione anatomica delle mani, l’architettura classicheggiante e magniloquente, in contrasto col paesaggio verde e blu, indagato con precisione lenticolare, la variopinta diversità delle superfici materiche, dai broccati alle pelli degli animali, nonché la generale atmosfera elegante ed enfatica, fanno di questo dipinto un manifesto perfetto della pittura fiamminga ad Anversa nel ‘500. -
Frans Francken IILa Famiglia di Dario ai piedi di Alessandro
Olio su rame
56x38 cm
1620 ca.
Opera firmata Doff
publicato: U. Haerting "Frans Francken de J.-the Paintings", Freren 1989, cat. Nr. 350 (senza immagine).
Expertise Ursula Haerting
La magniloquenza barocca in area fiamminga nel suo esempio per eccellenza: Frans Francken il Giovane. Il Pittore anversano fu una figura chiave nelle dinamiche artistiche della grande città in cui operarono artisti come Brueghel, Rubens e van Balen, tutti a loro modo legati da proficue collaborazioni con Francken, che si specializzò nella resa di figure tipiche per la pennellata sfumata, vibrante e turbinosa e l’alternanza di un forte contrasto cromatico tra le tinte scelte degli abiti e gli incarnati dei personaggi. La scena tratta dalla storiografia classica è impostata come un bassorilievo antico con la presenza di due piani dazione. Immediatamente in primo piano è raffigurato -con enfasi drammatica- il momento in cui la regina persiana chiede pietà per sé e per i suoi figli al condottiero macedone, vestito e come un cavaliere turco. Tra di loro, una serie di personaggi si atteggiano in quei dialoghi ed in quelle pose che sono tipiche del Francken II una volta raggiunta piena autonomia stilistica. In secondo piano, invece, una tumultuosa fiumana di combattenti si scontra all’interno di una nuvola grigia, che trasforma i cavalieri in statue semoventi, mentre la città in fiamme sullo sfondo è illuminata da qualche lampo di luce gialla e rosa, rilasciati sulla lastra di rame con una pennellata veloce e nervosa. È proprio l’esaltazione della materia pittorica come virtuosismo tecnico e capacità di declinare in modo estremo l’abilità del disegno con la giustapposizione di colori saturi e sgargianti che rese Frans Francken il Giovane uno dei pittori fiamminghi più apprezzati a livello internazionale nel ‘600 e che lo rende ancora oggi un ambito nome per i collezionisti di tutto il mondo. -
Monogrammista HSLa Coppia Male Assortita
oil on tavola, cm 28x42,5.
Si ringrazia il Centro di Ricerche Cranach per aver confermato la paternità dell'opera
Monogrammista HS (attivo verso il 1528) Raro ed enigmatico pittore originario di Basilea, allievo di Lucas Cranach e specializzato nella rappresentazione di soggetti allegorici spesso intrisi di gusto per il grottesco, l'erotico e l'enigmatico. Rispetto al maestro, Krodel presenta tonalità più aspre, con gli incarnati femminili che tendono all'eburneo come colore ed al porcellanato come levigatezza e con caratterizzazioni dei personaggi vicine al caricaturale, in chiave volutamente anticlassica ed anti-italiana. -
Jasper van der LanenPaesaggio fluviale con figure
olio su tavola
81x120cm
1625 ca.
In questa piccola e minuziosa tavola, il Lanen ci fornisce un saggio della sua bravura e ci dimostra quanto il suo stile fosse prossimo ai moduli dell'amico e testimone di nozze Abraham Govaerts. -
Jan Brueghel II e Pieter van AvontMadonna con Bambino entro un paesaggio
Olio su rame
Cm 21x16,5
1630 ca.
Con cornice antica
Expertise K. Ertz
Deliziosa, minuta opera di Jan Brueghel il Giovane, qui in collaborazione con Pieter van Avont per la parte figurativa, con cornice coeva ed in perfetto stato di conservazione. Questa tipologia di dipinti era destinata alla devozione privata e/o all’uso ornamentale per i cabinet des interieurs, dove venivano disposti a copertura di intere pareti, assieme ad altre opere, come si può ben vedere nei quadri raffiguranti queste gallerie e sovente realizzate da Frans Francken ed Adriaen van Stalbempt, con una funzione anche pubblicitaria per mostrare le opere disponibili sul mercato anversese. Stilisticamente, l’opera presenta le tendenze pittoriche di Jan II ancora legato ai solenni dettami paterni, con l’uso di una gamma cromatica più scura e con la concezione del paesaggio quale scorcio visivo con il quale attribuire ariosità e profondità alla scena principale, in un gioco di tempistiche visive che, dalle figure centrali, si sposta sulla Natura concepita come specchio di Dio. Inconfondibile, quale cifra stilistica, il minuzioso roseto a destra, i fiori ed i frutti ai piedi della Vergine. Come sempre, Brueghel si rivela per la capacità di mantenere una qualità eccelsa pure in dettagli apparentemente secondari, ma che sono quelli che in realtà costituiscono la differenza tra il Maestro ed i suoi seguaci. -
Gillis MostaertPaesaggio con la Distruzione di Sodoma e Gomorra
olio su tavola
Cm 40x54
1570
Expertise Luuk Pijl
Illustre pittore specializzato in paesaggi e celebre già all’epoca tanto da meritare una menzione d’onore da parte di Giorgio Vasari nelle sue Vite. Mostaert fu tra i più intelligenti interpreti della lezione di Pieter Bruegel il Vecchio, dal quale seppe discostarsi per personale inventiva e per la creazione di uno stile peculiare in cui la vena naif si configura come un “lavoro di sottrazione”, volto a togliere ogni elemento formale superfluo e a limitare il segno grafico al minimo essenziale, lasciando spazio ad ampie campiture di colori netti e contrastanti. Le vedute di fantasia che popolano i suoi dipinti sono riempite con piccole figure, sovente realizzate ad altri pittori specialisti negli staffage. La nostra composizione è nota in un’altra variante autografa, che ha però come soggetto la stagione dell’Autunno e che si discosta per una grande serie di dettagli, sia compositivi che cromatici. L’utilizzo di composizioni di base per ultimare svariati dipinti era una pratica diffusa e collaudata già dai tempi di Henri met de Bles. Moastaert non fu da meno, utilizzando spesso l’espediente di cambiare i colori con i quali venivano ultimati i personaggi o dettagli minori, piuttosto che con il capovolgimento o il riassemblaggio di varie parti dello schema generale. Ma rari sono i casi in cui, da un’impostazione di base identica, si è arrivati a due risultati finali così originali e autonomi. -
Nicolas Neufchatel (conosciuto anche come Nicolas Lucidel)Ritratto di Uomo con Lettera
Olio su tavola
30,2x23,8 cm
1550 ca.
Expertise Jan de Maere.
Le prime notizie su Nicolas Lucidel si trovano negli archivi della Corporazione di San Luca di Anversa, dove viene chiamato Colyn van Nieucasteel e viene definito allievo del pittore Pieter Coecke van Aelst nell'anno 1539. Come studente ad Anversa, Neufchatel entrò in contatto con i lavori di Frans Floris, Willem Key, e altri maestri attivi negli anni '40 del 1500. Dal 1561 al 1567 visse a Norimberga. Sembra che si trasferì in Germania per motivi religiosi; il 23 luglio del 1567, il consiglio cittadino lo ammonì dal partecipare alle "sommosse" dei calvinisti. Il nostro ritratto mostra uno stile evoluto e molteplici influenze stilistiche, compresa una certa attenzione alla ritrattistica italiana del ‘500. In ogni caso, il forte naturalismo dei molti dettagli che costellano il volto del personaggio segue la tipica attenzione fiamminga per la resa naturalistica della realtà. -
Adam van NoortMadonna con Bambino e San Giuseppe
Olio su tavola
79,4 x 56,8 cm
1580 ca.
Archiviato presso RKD come opera certa dell’autore.
Definito da van Mander nel 1604 un "abilissimo pittore di personaggi", van Noort si inserisce nel solco della pittura fiamminga già influenzata dall'arte italiana, il cui punto di contatto con la pittura nordica è avvenuto proprio nei suoi anni. Così estraneo alla moda predominante, Van Noort dirigeva uno degli atelier più popolari di Anversa e poteva contare un gran numero di allievi, tra cui quelli che negli anni successivi sarebbero diventati grandi maestri della pittura come Rubens (a partire dal 1592) e Van Dyck, che realizzò un famoso ritratto del maestro. Noto per i suoi umori alterni, la sua vita di libertino e, spesso, la sua violenza, van Noort era sempre cosciente dei propri limiti e della bravura dei propri allievi, indirizzandoli alla carriera anche attraverso la collaborazione con l'atelier di Otto van Veen. Le sue opere furono principalmente di soggetto biblico o allegorico e non si sono conservati ritratti realizzati per la Sint-Lucasgilde, di cui era membro. L’opera, proveniente dalla prestigiosa collezione Goudstikker, è oggi considerata tra le più significative -e certe d’attribuzione- ancora in mano a privati. Nonostante il soggetto religioso, la scena è trattata con estremo naturalismo, puntando a raffigurare più un semplice rapporto madre-figlio in un momento di lirica intimità piuttosto che qualcosa di magniloquente e accademico. La culla scolpita, assieme a dettagli quali il cuscino e il filo di perle sulla fronte della Madonna, sono rimarchevoli per resa realistica. I paneggi, l’incarnato e le architetture sullo sfondo, invece, sono di chiara influenza italiana. -
Adriaen van OstadeLa scuola del villaggio
olio su tavola
cm 40,7x52
Opera firmata e datata 1636.
Il dipinto è appartenuto alla celebre collezione di Jacques Goudtsikker, il più importante raccoglitore d’arte fiammingo-olandese di tutto il XX secolo. Inoltre, sono noti tutti i passaggi di collezione dal 1914 in poi. Rimasta in collezione privata dal 1997 ad oggi, l’opera riappare ora sul mercato come uno dei più magistrali esempi di quell’arte delle “scene di genere” di cui Adriaen van Ostade fu il massimo interprete. I fratelli van Ostade vissero e lavorarono per tutta la loro vita ad Haarlem, centro focale della Golden Age Olandese dove, assieme a Frans Hals, crearono la più esemplificativa scuola in termini della nuova concezione artistica che in Olanda stava prendendo piede durante il XVII secolo. Durante i primi anni della sua carriera, Ostade improntò la sua arte all’allegria e all’esagerazione delle scene raffigurate, utilizzando un forte contrasto di luci, sovente concentrare su una piccola porzione dello spazio raffigurato, circondato da ambienti più scuri alla maniera di un riflettore su un palcoscenico. La chiave delle sua armonia cromatica, così tipica nel saper donare grazia a tinte apparentemente grevi e pastose, risiede tutta nella scala dei grigi, aggiunti di volta in volta ai colori del rosa e del blu scuro, tipici dell’autore: l’effetto, così, è quello di un accordo coloristico che rende unitaria l’atmosfera del quadro, a sua volta impreziosito da una capacità tutt’altro che secondaria di rendere i dettagli con minuzia ma sempre senza leziosità: in questo equilibrio risiede la grandezza artistica di Ostade, capace di cogliere il lato poetico della classe contadina, nonostante una chiara ruvidezza di caratteri umani e situazioni rappresentate. Non a torto, si è sovente parlato di “rembrandtismo” per l’arte di Adriaen van Ostade, capace, specialmente dal 1635 in poi, di guardare a Rembrandt come nuovo punto di riferimento di quell’arte che ad Amsterdam stava portando a nuovi livelli di introspezione psicologica la pittura per mezzo di una corrispondenza con l’uso del colore in funzione drammatica e sentimentale. Nella scena, qualitativamente inappuntabile e conservata perfettamente, un riflettore centrale ci porta subito al centro della narrazione, con il maestro intento a tenere letteralmente a bada un nutrito branco di bambini, che all’epoca non erano divisi per classi e pertanto vivevano l’istruzione in mescolanza tra quelli più piccoli e quelli già puberi: alcuni studiano, alcuni attendono la correzione del compito, altri si fanno i dispetti, altri ancora non riescono semplicemente a stare fermi, sotto la figura impassibile -quasi apatica- del rude maestro, vicino al quale la clessidra entro la nicchia si trasforma da monito esistenziale a speranza che la lezione finisca presto. La figura di una vecchia dal volto caricato è poi intenta ad additare un piccolo bambino che tiene in mano il cappello con deferenza, mentre viene introdotto al maestro: un nuovo alunno o qualcuno che ha combinato un guaio? Dunque, al ritmo di una pennellata grassa, grumosa, chiaroscurale, che con pochi tocchi inscena una miriade di dettagli, van Ostade si fa cantore di una storia tanto semplice quanto universale, una vera istantanea di vita, in cui i sentimenti e le situazioni trascendono il tempo per diventare universali. -
Il Maestro del PappagalloMadonna con Bambino (Virgo Lactans)
Olio su tavola
Cm 44,5x32,5
1530 ca.
L’autore prende il nome da un articolo di approfondimento che lo storico d’arte Maximilian Friedlander gli dedicò nel 1948 e nel quale lo studioso raggruppò un primo numero di opere attorno ad una personalità di cui non si conosceva il nome, ma che risultava abbastanza chiara da un punto di vista stilistico. Il curioso soprannome scelto deriva dall’insistenza e dalla tipicità con la quale un certo numero di opere mostra la presenza di un pappagallo. Tuttavia, oggi è possibile assegnare all’artista un numero di opere più vario ed ampio, anche grazie alla recente scoperta di una Madonna col Bambino (senza pappagallo) firmata per esteso “Cornelis Bazelear Fecit” di indiscutibile chiarezza stilistica. Oltre a ciò, si è ipotizzato con ampia plausibilità che i pittori operanti attorno e sotto Bazelaer costituissero una nutrita bottega che, tra Anversa e Bruges, realizzava in stile unitario una serie di opere devozionali destinate in particolar modo al mercato internazionale. La pratica era diffusissima anche presso altre botteghe (Pieter Coeck, Joos van Cleve, etc) e sostanzialmente indica una concezione dell’opera d’arte come prodotto in due fasi, una prima teorica e pensata dal Maestro ed una seconda sovente realizzata dagli allievi. Nelle prove migliori, come questa, il Maestro del Pappagallo mostra uno stile delicato, di sapiente sintesi tra la tradizione bruggese -ancora arcaica- e le innovazioni di plasticismo e uso della luce che Pieter Coeck, Jan Gossaert e Quantyn Metsys stavano gradualmente introducendo nella pittura fiamminga di Anversa. L’incarnato perlaceo, l’intimo rapporto madre/figlio e i minuziosi dettagli delle chiome accentuano il raffinato tono devozionale e simbolico, a cui contribuisce anche il fondo scuro dal quale le figure emergono come in una sacra visione. -
Pieter Neefs il VecchioInterno Notturno di Chiesa con Figure
Olio su tavola
Cm 39,4x57,7
1636.
Pieter Neefs è il pittore fiammingo per antonomasia degli interni di chiesa. Tali interni si ispirano alla Cattedrale di Anversa, ma ne sono sovente una libera reinterpretazione, nella quale vengono ricombinati elementi reali e immaginari, con l’utilizzo di un punto di vista leggermente rialzato ed una prospettiva architettonica attentamente calcolata. La scena è ambientata in contesto notturno, lasciando illuminare il vuoto aereo delle alte navate da alcune candele, che conferiscono una particolare atmosfera all’ambiente, ricca di accenti emozionali. Le pareti sono spoglie di ogni decorazione per ragioni storiche: a seguito della diffusione del Protestantesimo e della conseguente “furia iconoclasta” che investì Anversa allo scadere del ‘500, molti dei paramenti sacri furono distrutti, così come le pale d’altare e le decorazioni parietali, fino alla rinascita decorativa del Barocco maturo di stampo rubensiano. Le figure, che di prassi venivano aggiunte a dipinto ultimato, sono di mano di Frans Francken III, che sovente collaborò col Neefs in composizioni del genere. -
Cornelis van PoelenburghIl Convitto degli Dei
Olio su tavola
cm 27x32,5
1640 ca.
Opera firmata C.P.F
Si ringrazia il Professor Marcel Roethlisberger per aver confermato la paternità dell’opera.
Il soggetto ebbe molto successo e sono note diverse varianti, tra cui una molto simile attualmente conservata al Mauritshuis di L’Aia. L’artista ambienta l’episodio in un contesto minimale, immaginando la scena come un fregio classico che emerge da nuvole dense eppure essenziali. Una squisita luce argentata connota l’ambiente, conferendogli classe e raffinatezza, mentre la plasticità delle figure indica chiaramente la concezione anatomica che dell’ “antico” si era sviluppata in Olanda, anche attraverso la mediazione di Abraham Bloemaert e che troverà ampio sviluppo nei classicisti di stampo caravaggesco come Salomon de Bray e Pieter de Grebber. Le divinità principali ci sono tutte, ciascuna col loro segno di riconoscimento: Giove, sulla sinistra in drappo rosso, con la folgore; Bacco, che contempla un elegante calice di vino; Marte con l’elmo, seduto a tavola; Nettuno in drappo azzurro, seduto sull’anfora delle acque e col tridente in mano; Giunone, Venere e Cupido sulla destra estrema in drappo giallo e col pavone al loro fianco. -
David VinckboonsPaesaggio Boscoso con episodio evangelico
Olio su tavola
Cm 47x75
1618 ca.
esposizioni “Cielo, Terra e Acque. Il paesaggio nella pittura fiamminga e olandese tra Cinquecento e Seicento” mostra a cura di G. Sciolla, Aosta 2007.
pubblicato: “David Vinckboons” l’opera completa, a cura di Klaus Ertz, Lingen 2016. Cat nr. 36 pag 324 e 325.
Magistrale prova dell’autore: l’altissimo livello qualitativo permettere di collocare l’opera ai vertici della produzione del Vinckboons, qui nel suo momento di massima vicinanza a Jan Brueghel dei Velluti. Cronologicamente, il dipinto è ancora ascrivibile al primo periodo di attività, quando l’artista lasciò Anversa a seguito delle persecuzioni religiose operate dagli spagnoli, per trasferirsi nella tedesca Middelburg assieme ad altri pittori, quali Gillis van Conincxloo e i fratelli Savery, venendo a formare quella che è nota col nome di “Scuola di Frankenthal”, una particolare corrente artistica di pittori specialisti di paesaggio, a cavallo tra ‘500 e ‘600. Tale scuola, di cui Vinckboons fu tra i migliori esponenti, è celebre per aver creato un tipo di paesaggio unico e peculiare, sovente identificato col paesaggio fiammingo per eccellenza, di impostazione fortemente idealizzata ed intellettualistica: i paesaggi sono immaginari e volutamente distanti da una resa realistica della natura, secondo una concezione che punta a trasferire nel genere del paesaggio lo stile sofisticato e internazionale della pittura figurativa tardo-manierista e proto-barocca. Né è prova antologica il nostro dipinto: al di là dell’inserimento dell’episodio evangelico -che resta elemento marginale- assoluta protagonista è la Natura intesa come concetto ideale. Nel folto di un bosco smeraldino, che tutto avvolge e adombra, si muovono piccole figure di pastori, cacciatori e viandanti, mentre alcuni animali emergono tra le fronde intricate di immensi alberi secolari o dalle profondità cupe e misteriose del sottobosco, di cui pare palpabile l’umidità e l’atmosfera, arcana e vivida come in un racconto fantastico. La scarsa luce che penetra dai rami, poi, è usata come espediente per inscenare infinte varianti di verde, tanto che si potrebbe leggere il quadro come un autentico saggio di virtuosismo cromatico, all’insegna di un amore ed una comprensione per il genere del paesaggio che è indiscutibile specialità dell’arte fiamminga.