Old Masters

La nostra selezione di Antichi Maestri è incentrata sulle scuole Nord Europee, favorendo la pittura fiamminga di alta epoca ed il Rinascimento Tedesco.

Attenzione particolare è poi dedicata all’universo dei Brueghel, che rappresentano -per fama, valore ed importanza- l’eccellenza assoluta dell’arte fiamminga. In questo campo specifico, siamo in grado di fornire  svariate tipologie di dipinti della Dinastia Brueghel e della loro cerchia, studiate per qualsiasi tipo di acquisto.

Infine, proponiamo anche una selezione di opere dalla Golden Age olandese.

Il Maestro del Pappagallo

Jan Brueghel II e Frans Wouters

Monogrammista HS

Gillis Mostaert

Kerstiaen de Keuninck

Jan van Kessel The Elder

Adam van Noort

Jan Brueghel II e Pieter van Avont

Christiaen van Couwenbergh

Jan van Kessel il Giovane

Jan Brueghel II e Pieter van Avont

Ambrosius Francken II

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  Il Maestro del Pappagallo

  Madonna col Bambino (Virgo Lactans)

  olio su tavola

  44,5x32,5 cm

  1530 ca.

  L’autore prende il nome da un articolo di approfondimento che lo storico d’arte Maximilian Friedlander gli dedicò nel 1948 e nel quale lo studioso raggruppò un primo numero di opere attorno ad una personalità di cui non si conosceva il nome, ma che risultava abbastanza chiara da un punto di vista stilistico. Il curioso soprannome scelto deriva dall’insistenza e dalla tipicità con la quale un certo numero di opere mostra la presenza di un pappagallo. Tuttavia, oggi è possibile assegnare all’artista un numero di opere più vario ed ampio, anche grazie alla recente scoperta di una Madonna col Bambino (senza pappagallo) firmata per esteso “Cornelis Bazelear Fecit” di indiscutibile chiarezza stilistica.
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  Jan Brueghel II e Frans Wouters

  Allegoria del Fuoco

  Olio su tavola

  cm 56x89

  1645 ca.

  Expertise K. Ertz

  Celebre membro della così detta Dinastia Brueghel, Jan Brueghel II è considerato uno dei più eminenti e rappresentativi artisti fiamminghi del pieno '600. La sua prospera carriera artistica può riassumersi attraverso la reiterazione degli stilemi paterni, divulgati con eccellenza e diligenza tale da poter attribuire a lui il merito di aver reso famoso in tutto il mondo lo “stile Brueghel”, a sua volta associato all'arte fiamminga per antonomasia. Se molte delle composizioni e soluzioni iconografiche utilizzate da Jan II sono debitrici di invenzioni paterne, a partire dalla seconda metà del secolo lo stile e l'inventiva del pittore si fanno più consapevoli e autonome, permettendogli di esprimere al meglio il suo potenziale. Ne è un perfetto esempio la nostra opera, appartenente al genere allegorico. La tavola, di ampio formato e in perfetto stato di conservazione, raffigura la Guerra in chiave allegorica, attraverso la sua declinazione in senso tecnico/pratico e per mezzo di una serie di figure simboliche. L'opera, di eccezionale livello qualitativo, non deriva da nessun testo iconografico o filosofico preciso, a differenza delle allegorie dei quattro elementi dipinte da Brueghel dei Velluti nel 1614 e realizzate su indicazioni del Cardinal Borromeo, derivando invece direttamente dalla fantasia artistica del pittore. Lo spunto per la diffusione di un soggetto del genere è certamente legato alle vicende della Guerra dei Trent'Anni, che dal 1618 al 1648 coinvolse duramente tutte le principali potenze europee dell'epoca, ma le scelta di declinare il soggetto in maniera fortemente simbolica è un originale merito dell'artista.
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  Monogrammista HS

  La coppia male assortita

  olio su tavola, cm 28x42,5.

  Si ringrazia il Cranach Research Insitute ed il Dr. Peter Schmelzle per aver confermato la paternità dell'opera.

  in aggiornamento
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  Gillis Mostaert

  Paesaggio con la Distruzione di Sodoma e Gomorra

  olio su tavola

  Cm 40x54

  1570

  Expertise Luuk Pijl

  Illustre pittore specializzato in paesaggi e celebre già all’epoca tanto da meritare una menzione d’onore da parte di Giorgio Vasari nelle sue Vite. Mostaert fu tra i più intelligenti interpreti della lezione di Pieter Bruegel il Vecchio, dal quale seppe discostarsi per personale inventiva e per la creazione di uno stile peculiare in cui la vena naif si configura come un “lavoro di sottrazione”, volto a togliere ogni elemento formale superfluo e a limitare il segno grafico al minimo essenziale, lasciando spazio ad ampie campiture di colori netti e contrastanti. Le vedute di fantasia che popolano i suoi dipinti sono riempite con piccole figure, sovente realizzate ad altri pittori specialisti negli staffage. La nostra composizione è nota in un’altra variante autografa, che ha però come soggetto la stagione dell’Autunno e che si discosta per una grande serie di dettagli, sia compositivi che cromatici.
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  Kerstiaen de Keuninck

  Paesaggio montuoso con Tobiolo e l'Angelo

  olio su tavola

  cm 81x120

  1620 ca.

  Arcaico paesaggista di Anversa nello stile di T.Verhaecht e R.Savery. Dipinse preferibilmente paesaggi montuosi boscosi con grandi piante, vallate talvolta animate da piccole figure Bibliche in primo piano. Sua caratteristica è la lumeggiatura che nel paesaggio ha una serie di raggi obliqui lucenti che a loro volta intersecano il cielo creando cosi una atmosfera irreale e fantastica. A differenza di Jan Brueghel il Vecchio, che era una figura di spicco nello sviluppo della pittura paesaggistica realistica, Kerstiaen de Keuninck continuò la tradizione fiamminga di scenari di montagna immaginari che discendevano da Patinir. Questa grande veduta panoramica, dominata da fantastiche montagne e formazioni rocciose, è una delle prime opere dell'artista e probabilmente fu dipinta ad Anversa. Illustra la sua preoccupazione per gli effetti pittorici contrastanti - come i passaggi appesantiti da una vernice opaca in contrapposizione con aree disegnate con un tratto molto sottile - e con motivi audaci come lo spruzzo d'acqua formato dal tocco del pennello. In questo artista, a differenza di autori come Martin Ryckaert, la Natura è caratterizzata da un’atmosfera sovrastante, in cui le figure umane si perdono lungo sentieri tortuosi, alle pendici di formazione rocciose immense, ben oltre il plausibile, senza troppa attenzione per le proporzioni, ma anzi con estro volutamente accentuato: l’obbiettivo è sottolineare gli aspetti più selvatici della Natura, vista come elemento difficilmente domabile e come simbolo -di sapore biblico- dell’insignificanza dell’Uomo rispetto al Cosmo.
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  Jan van Kessel The Elder

  Studio di insetti con fiore di Borragine

  Olio su rame

  cm 10x16

  1650 ca

  Publicato ed esposto:

  "Brueghel. Capolavori dell'arte fiamminga". Venaria Reale, Torino, 2017.

  Expertise Klaus Ertz

  Dipinti di questo genere, di cui Jan van Kessel il Vecchio fu sommo maestro, costituiscono una categoria estremamente peculiare di “natura morta”. Anche se suo nonno, Jan Brueghel il Vecchio, e suo zio, Jan Brueghel il Giovane, furono eccelsi pittori di nature morte, solo van Kessel fu un così abile specialista nella riproduzione di insetti. L’artista raggiunse una tale capacità nell’osservare e rappresentare così attentamente ogni campione che ciascun insetto può essere facilmente identificato dall’entomologia moderna. Se al centro della composizione è delicatamente adagiato uno stelo di Borago Officinalis in fiore, tutt’intorno appare una grande varietà di insetti, tra cui due specie di falene, due farfalle, alcuni coleotteri, una splendida libellula, una vespa, un maggiolino e molti altri insetti volanti. Le farfalle e le falene sono rappresentate sia ad ali spiegate che chiuse, così come gli altri insetti sono variamente posizionati su piani ideali diversi, con punti di vista ora alti, ora laterali o prospettici. L’utilizzo simultaneo di diversi punti di vista, che rende lo spazio del dipinto impossibile, non è da interpretarsi come limite tecnico dell’autore, ma bensì come scelta artistica consapevole: appare infatti evidente che Kessel fosse solito lavorare inizialmente su una serie di studi indipendenti, che solo in un secondo momento (e secondo necessità) venivano ricombinati in un’opera complessiva. Tale scelta voleva sottolineare l’ideale compresenza di insetti molto diversi tra loro per regione di appartenenza e stagionalità, intellettualmente raccolti ed esposti all’osservatore come se emergessero da una catalogazione del tutto enciclopedica e mentale. Il dipinto è realizzato su rame, un supporto eccezionalmente liscio e lucido, ideale per la tecnica meticolosa e raffinata di van Kessel, in grado di migliorare anche la brillantezza dei colori, dotando le singole pennellate di un cromatismo smaltato e vivido. Dipinti come questi, che resero l’autore famoso in tutto il mondo, possono considerarsi degli autentici saggi di storia naturale, in piena linea con la coeva passione per la Natura che durante il XVII secolo aveva fatto fiorire la moda delle Wunderkammer, quelle stanze collezionistiche in cui si era soliti raccogliere tutto ciò che di magnifico e raro la natura e la tecnica umana potevano offrire al diletto degli uomini. Era infatti consuetudine alternare teche con insetti veri a dipinti come questo, in un gioco intellettuale di emulazioni, rimandi e artifici estetici.
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  Adam van Noort

  Madonna and Child with Saint Joseph

  Olio su tavola

  79,4 x 56,8 cm

  1580 ca.

  Archiviato presso RKD come Adam van Noort.

  Definito da van Mander nel 1604 un "abilissimo pittore di personaggi", Adam van Noort è considerato tra i più importanti artisti fiamminghi della delicata fase di passaggio tra la pittura tardo-manierista e romanista e il barocco fiammingo propriamente inteso. Figlio di Lambert van Noort (di cui si ricorda la monumentale pala conservata nell’Oratorio della Santissima Annunziata di Ferrara), come il padre prima di lui, l’artista deve gran parte del suo stile alla formazione italiana e ad una sapiente assimilazione delle più aggiornate conquiste peninsulari in termini di spazialità e plasticismo.
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  Jan Brueghel II e Pieter van Avont

  Paesaggio boscoso con Riposo durante la Fuga in Egitto

  Olio su rame

  cm 48x65

  1630 ca.

  Expertise K. Ertz

  Magnifico esempio di collaborazione, secondo la pratica diffusa ad Anversa nel XVII secolo, tra Brueghel II come specialista di paesaggio e van Avont come pittore di staffage, cioè la pittura di personaggi. La composizione è tra le più celebri del Brueghel II e fu sovente copiata ed imitata da molti seguaci, per via della sua capacità di coniugare al meglio soggetto sacro e paesaggio ideale. Così, l’episodio evangelico del Riposo dalla fuga in Egitto diventa l’espediente per inscenare una natura dai colori squillanti, con ricchi accenti di turchese e verde acqua, valorizzati da una vasta gamma di dettagli naturalistici, dal roseto a destra, ai frutti in alto, dai cervi che si abbeverano nel cristallino specchio d’acqua ai porcellini d’India in primo piano, ognuno carico anche di significati simbolici: le rose sono simbolo di Maria, l’albero di mele allude al peccato originale, i cervi si riferiscono ad un celebre salmo in cui si prefigura la venuta di cristo (Salmo 41: <>), mentre le piccole cavie simboleggiano l’evangelizzazione delle Americhe.
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  Christiaen van Couwenbergh

  Il ritrovamento di Mosè

  Olio su tavola

  cm 123x,5x118

  Firmato e datato1640

  Publicato:

  Wolfgang C. Maier-Preusker, Christiaen van Couwenbergh (1604 – 1667) oeuvre und wandlungen eines hollaendischen caravaggisten, ed. Wallraf-Richartz-Jaharbuch – Band LII-1991.

  Si ringrazia inoltre il Professor Wayne E. Franits per aver confermato la paternità dell'opera.

  Importante pittore della scuola caravaggista e classicista olandese, van Couwenbergh nacque a Delft ed operò principalmente a L'Aia, intervallando la sua carriera olandese con diversi viaggi in Italia che gli permisero di assorbire pienamente la maniera caravaggesca e una concezione classicheggiante dello spazio e del corpo, pur mantenendo sempre una grammatica figurativa del tutto personale. Tra i suoi committenti, si annoverano il Principe Federico d'Orange e la regina Cristina di Svezia. Della grande tavola qui in oggetto sono note due varianti. La prima, databile sempre al 1640 (Bruxelles, Museo delle belle arti), mostra una composizione più castigata, con la presenza della regina egizia e delle sue cortigiane riccamente vestite. La seconda decisamente più simile, ma di maggiore estensione spaziale e più dispersiva (1649 ca.). La nostra versione, che in funzione della firma e della data costituisce un appiglio sicuro per la cronologia dell'autore, deve necessariamente considerarsi una prima variante a meno di non retrocedere la datazione delle altre due opere: Preusker, al tempo della pubblicazione, non aveva potuto osservare la firma e la relativa data del 1640. Il dato è di fondamentale importanza per la ricostruzione dello stile e dell'evoluzione artistica di Couwenbergh verso gli esiti più maturi del suo operato e le sue ricerche stilistiche nel campo della figura umana nuda.
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  Jan van Kessel il Giovane

  Natura in posa con scoiattolo, pappagallo e tazze di porcellana

  Olio su tela

  cm 34x42

  1660 ca.

  Si ringrazia Klaus Ertz per aver confermato la paternità dell'opera

  in aggiornamento.
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  Jan Brueghel II e Pieter van Avont

  Madonna col Bambino in un paesaggio

  Olio su rame

  Cm 21x16,5

  1630 ca.

  Con cornice antica

  Expertise K. Ertz

  Deliziosa, minuta opera di Jan Brueghel il Giovane, qui in collaborazione con Pieter van Avont per la parte figurativa, con cornice coeva ed in perfetto stato di conservazione. Questa tipologia di dipinti era destinata alla devozione privata e/o all’uso ornamentale per i cabinet des interieurs, dove venivano disposti a copertura di intere pareti, assieme ad altre opere, come si può ben vedere nei quadri raffiguranti queste gallerie e sovente realizzate da Frans Francken ed Adriaen van Stalbempt, con una funzione anche pubblicitaria per mostrare le opere disponibili sul mercato anversese.
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  Ambrosius Francken II

  Crocifissione

  Oil on panel

  cm 64x50

  1610 ca.

  Expertise Jan de Maere

  L’opera, proveniente dalla prestigiosa collezione Dentice di Frasso di Roma, è strettamente legata ad un prototipo figurativo michelangiolesco, forse tra le fonti iconografiche maggiormente diffuse di tutto il ‘500: Il Cristo Crocefisso di Buonarroti. L’opera (andata perduta) si diffuse in tutta Europa per mezzo di stampe e disegni, assurgendo in breve tempo a canone figurativo per l’anatomia di Cristo nudo, in particolar modo per gli artisti che, come Frans Floris e Marten de Vos, stavano scoprendo con entusiasmo la maniera italiana di concepire le anatomie e la concezione classica dello spazio di cui l’arte tosco/romana si era fatta propugnatrice. Nello specifico, almeno due grandi composizioni -strettamente legate alla nostra- sono oggi note. Tra i migliori continuatori della tradizione figurativa tardo-romanista, ci furono i primi membri della dinastia dei Francken. Tra di loro, Ambrosius Francken II, noto anche per aver ultimato alcune opere lasciate incompiute da De Backer al momento della sua prematura morte. Una datazione alla fase iniziale dell’operato di di Ambrosius II permette altresì di leggere con dimestichezza la forte vicinanza alla grammatica figurativa di Hednrick Goltzius, la scelta di concentrasi sulla capacità di rendere espressioni e anatomie in maniera vibrante e muscolare, accompagnando il tutto con panneggi leggeri e dinamici e senza distribuire nel quadro riferimenti simbolici e allegorici, secondo quella consuetudine che diverrà poi tipica nella fase finale dell’autore.