La nostra selezione di Antichi Maestri è incentrata sulle scuole Nord Europee, favorendo la pittura fiamminga di alta epoca ed il Rinascimento Tedesco.
Attenzione particolare è poi dedicata all’universo dei Brueghel, che rappresentano -per fama, valore ed importanza- l’eccellenza assoluta dell’arte fiamminga. In questo campo specifico, siamo in grado di fornire svariate tipologie di dipinti della Dinastia Brueghel e della loro cerchia, studiate per qualsiasi tipo di acquisto.
Infine, proponiamo anche una selezione di opere dalla Golden Age olandese.
Cornelis de Bailleur
Jan Brueghel II e Cornelis de Bailleur
Luis de Caullery
Jan van Kessel il Vecchio
Frans Francken II
Monogrammista HS
Jasper van der Lanen
Jan Massys
Pietro Mera
Gillis Mostaert
Nicolas Neufchatel (conosciuto anche come Nicolas Lucidel)
Adam van Noort
Isaac van Oosten
Adriaen van Overbeke
Frans Pourbus I
Martin Ryckaert
Kerstiaen de Keuninck
Jan Woutersz detto Stap
Jan Vermeulen
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Cornelis de BailleurMadonna con Bambino e Angeliolio su rame
30,5x23,5 cm
1640 ca.
Bailleur fu pittore fiammingo di scene sacre, ornamenti e interieur du cabinet. Fu influenzato da Frans Francken il Giovane e dalla scuola dei Brueghel, con cifre cromatiche sue proprie ed uno stile personale e raffinato. Il soggetto fu replicato diverse volte dall'autore, anche all'interno di ghirlande o composizioni più ampie (confronto ovvio con la ghirlanda presente in questa stessa esposizione). Le gamme cromatica avvicinano l’opera agli esiti di Frans Francken il Giovane, così come lo stile. Inoltre di pregevole fattura risultano anche i dettagli, come l’ago tenuto in mano dalla Madonna, gli strumenti per cucine e la ricca culla adornata come un’impalcatura gotica. Notevole, infine, l’espediente delle lumeggiature dorate che emergono dalle nubi e che sono state posizione da Bailleur come strato pittorico primario sul quale l’autore è andato poi successivamente a stendere le varie campiture di colore. -
Jan Brueghel II e Cornelis de BailleurGhirlanda di Fiori con Madonna col Bambino e AngeliOlio su tavola
71,4 x 65,7 cm
1630 ca.
Expertise K. Ertz
Jan Brueghel il Giovane realizzò molti dipinti dedicati a questo soggetto: una ghirlanda di fiori, delineata come una sorta di cornice, entro la quale venivano raffigurati soggetti sacri di vario genere ed affidati di volta in volta a specifici collaboratori. In questo caso, la giuliva e aneddotica scena centrale è una celebre composizione di Cornelis de Bailleur, il valente allievo di Frans Francken che, proprio attraverso questo soggetto, è famoso tra gli amatori della pittura fiamminga del ‘600. Il soggetto divenne molto richiesto durante la Controriforma in base a quel gusto barocco per le raffinate simbologie cattoliche: nell’opera si contano ben oltre trenta specie floreali diverse che, nel contesto del soggetto centrale, assumono un valore simbolico con specifici riferimenti a diverse virtù cristiane, in particolare legate alla Madonna. Così, le rose simboleggiano la purezza, l’iris l’immacolata concezione, i ciclamini la Passione di Cristo, i garofani la Resurrezione e via dicendo. L’opera, dunque, è una sorta di icona simbolica in cui la spazialità è annullata per lasciare totalmente spazio alla meditazione intellettuale e religiosa: lo sfondo scuro entro il quale fluttuano le immagini è da interpretarsi in questo senso, alla luce di una spiritualità fortemente votata all’estasi e alla meditazione, senza rinunciare alla bellezza lirica dell’oggetto raffigurato quale vero e proprio tramite tra l’uomo ed il divino. Ne è prova la grande abilità tecnica con la quale sono raffigurati proprio i fiori, in pieno “stile Brueghel” all’insegna di colori vibranti e deliziosa bravura tecnica. -
Luis de CaulleryInterno con elegante compagniaOlio su tavola
35x46 cm
1615 ca.
L’opera raffigura un tipico interno popolato da personaggi in eleganti costumi di gusto ancora manierista, intenti in attività di piacere, dalla musica al banchetto, fino all’allusione erotica rappresentata dal letto cremisi a sinistra. L’opera può anche essere letta come allegoria dei cinque sensi, di cui Caullery eseguì numerose varianti, tutte all’incirca simili per stile ed impostazione e utili per dei confronti stilistici. In tal caso, i gesti compiuti dai vari personaggi sono da riferirsi ai sensi specifici: così il cibo diventa il Gusto e l’olfatto, l’atto di toccare i frutti si riferisce al Tatto, la musica all’udito, mentre la Vista è simboleggiata dallo scambio di sguardi dei due personaggi al centro. -
Jan van Kessel il VecchioStudio di Insetti con Fiore di Borragineolio su rame
cm 10,4x16,2
esposizioni "Brueghel. Capolavori dell'Arte Fiamminga", Torino, 21/02/2016-19/01/2017.
expertise K. Ertz
Jan van Kessel il Vecchio (Anversa, 1626 - 1679) Maestro fiammingo universalmente riconosciuto come il miglior pittore di nature morte a tematica entomologica. Fu membro della così detta "Dinastia Brueghel", in quanto suo nonno era Jan Bueghel I e suo zio Jan Brueghel II. Collaborò in magnifiche prove con quest'ultimo, ma nella realizzazione di piccoli insetti l'autore riuscì a raggiungere vette insuperate: Il fascino delle sue composizioni e la loro precisa e fine esecuzione, come le tonalità smaltate e vibranti, fanno di Jan van Kessel uno dei pittori fiamminghi più affascinanti e più apprezzati di sempre. -
Frans Francken IILa Famiglia di Dario ai piedi di AlessandroOlio su rame
56x38 cm
Opera firmata
1630 ca.
La magniloquenza barocca in area fiamminga nel suo esempio per eccellenza: Frans Francken il Giovane. Il Pittore anversano fu una figura chiave nelle dinamiche artistiche della grande città in cui operarono artisti come Brueghel, Rubens e van Balen, tutti a loro modo legati da proficue collaborazioni con Francken, che si specializzò nella resa di figure tipiche per la pennellata sfumata, vibrante e turbinosa e l’alternanza di un forte contrasto cromatico tra le tinte scelte degli abiti e gli incarnati dei personaggi. La scena tratta dalla storiografia classica è impostata come un bassorilievo antico con la presenza di due piani dazione. Immediatamente in primo piano è raffigurato -con enfasi drammatica- il momento in cui la regina persiana chiede pietà per sé e per i suoi figli al condottiero macedone, vestito e come un cavaliere turco. Tra di loro, una serie di personaggi si atteggiano in quei dialoghi ed in quelle pose che sono tipiche del Francken II una volta raggiunta piena autonomia stilistica. In secondo piano, invece, una tumultuosa fiumana di combattenti si scontra all’interno di una nuvola grigia, che trasforma i cavalieri in statue semoventi, mentre la città in fiamme sullo sfondo è illuminata da qualche lampo di luce gialla e rosa, rilasciati sulla lastra di rame con una pennellata veloce e nervosa. È proprio l’esaltazione della materia pittorica come virtuosismo tecnico e capacità di declinare in modo estremo l’abilità del disegno con la giustapposizione di colori saturi e sgargianti che rese Frans Francken il Giovane uno dei pittori fiamminghi più apprezzati a livello internazionale nel ‘600 e che lo rende ancora oggi un ambito nome per i collezionisti di tutto il mondo. -
Monogrammista HSLa Coppia Male Assortitaoil on tavola, cm 28x42,5.
Si ringrazia il Centro di Ricerche Cranach per aver confermato la paternità dell'opera
Monogrammista HS (attivo verso il 1528) Raro ed enigmatico pittore originario di Basilea, allievo di Lucas Cranach e specializzato nella rappresentazione di soggetti allegorici spesso intrisi di gusto per il grottesco, l'erotico e l'enigmatico. Rispetto al maestro, Krodel presenta tonalità più aspre, con gli incarnati femminili che tendono all'eburneo come colore ed al porcellanato come levigatezza e con caratterizzazioni dei personaggi vicine al caricaturale, in chiave volutamente anticlassica ed anti-italiana. -
Jasper van der LanenPaesaggio fluviale con figureolio su tavola
81x120cm
1625 ca.
In questa grande e luminosa tavola, il Lanen ci fornisce un saggio della sua bravura e ci dimostra quanto il suo stile fosse prossimo ai moduli dell'amico e testimone di nozze Abraham Govaerts. L'opera è considerata dalla critica specialistica opera certa -e di primaria importanza- dell'autore in questione. -
Jan MassysVergine in Preghieraolio su tavola
1552 ca.
Si ringraziano i seguenti esperti per aver confermato, tutti in maniera indipendente, la paternità e l’elevata qualità dell’opera: Maximiliaan Martens; Peter van den brink; Till-Holger Borchert; Maria Clelia Galassi. La professoressa Galassi includerà l’opera nella monografia di prossima pubblicazione.
Universalmente riconosciuto come una delle figure più eminenti della pittura fiamminga del ‘500, nativo di Anversa e figlio del celebre Quantyn Massys, Jan trascorse diversi anni fuori dalla patria, ove si ristabilì solo a partire dal 1555 con alternanza di viaggi costanti, fino alla sua morte nel 1575. Lo stile pittorico di Jan Massys è tra i più singolari e caratteristici di tutto il periodo, capace di assorbire le più eclettiche esperienze figurative e di influenzare a sua volta alcuni dei più diffusi linguaggi internazionali pre-manieristi. Alla “stranezza” del suo stile si accompagnò quella della sua vita, ancora oggi poco documentata e ricca di zone d’ombra che rendono difficile un chiaro ordine cronologico delle sue opere, se non su base stilistica e grazie alle rare opere firmate, che stabiliscono un terminus post quem per dare una direzione al suo stile: da quello più tradizionale, di ispirazione paterna, via via verso una sempre maggior esacerbazione di stilemi, temi e forme espressive. Per predilezione dei soggetti femminili e per il modo di trattarli, Jan Massys può giustamente essere definito come il “Cranach fiammingo”, perfetto esempio di quella ossessione per il mondo femminile e le tematiche a sfondo erotico che fu tipico della più alta cultura internazionale del tardo rinascimento. A questo va aggiunto il dato delle sue supposte relazioni con una setta eretica fiamminga, fatto che gli costò il bando dalla città di Anversa negli anni 30 del ‘500 e che fu, forse, l’occasione per i suoi viaggi, specialmente a Genova, città nella quale produsse alcuni dei suoi più raffinati capolavori. La nostra Vergine orante è strettamente connessa proprio al periodo pre-anversese, in cui lo stile di Jan prende vita da quello paterno, pur rivelando molto presto alcune tipicità che non abbandoneranno mai l’autore. Certamente il nostro dipinto è stato concepito in pendant con un Cristo Benedicente, probabilmente simile a quello oggi conservato al Kunstmuseum di Winterthur, in Svizzera: è un utile raffronto per comprendere la produzione di questi dittici a carattere devozionale che prevedevano sempre la coppia Cristo/Maria ed erano destinati ad una committenza privata. Tuttavia, il dato di maggior interesse è l’autonomia iconografica della nostra Vergine che, a differenza degli altri dipinti di Jan databili al primo periodo, non risulta essere una copia/derivazione da un prototipo paterno, bensì una delle prime concezioni del tutto autonome, che collega il dipinto direttamente alle prime opere maggiori, quali la Madonna col Bambino conservata a Palazzo Bianco di Genova e datata 1552, la Adorazione del Bambino (dello stesso anno) e la Caritas sempre conservata a Genova. La fisionomia femminile della nostra Vergine è la medesima dei quadri citati, così come lo stile della capigliatura, l’acconciatura e l’aspetto del velo ricamato: la comparazione stilistica risulta talmente stringente da poter azzardare con relativa certezza la data 1552 anche per l’esecuzione del nostro dipinto. Se così fosse, saremmo di fronte ad un documento fondamentale nella produzione dell’autore, con un’importante aggiunta al catalogo del “periodo genovese” di Jan Massys. Come accennato, la questione dei suoi rapporti con Genova non è del tutto chiara e, probabilmente, legata alla sua fuga da Anversa ed ai suoi rapporti con quei circoli culturali di ispirazione gnostica che, sotterraneamente, percorrevano tutta l’Europa del ‘500. I grandi capolavori, come la Flora conservata oggi a Stoccolma e recante una dettagliata veduta di Genova sullo sfondo, ci parlano di un complesso universo di rapporti simbolici ed intellettuali che Jan esibisce con insistenza nei suoi dipinti, anche attraverso uno stile sottilmente licenzioso e volutamente allusivo. La nostra Vergine, pur nel suo castissimo atteggiamento, denuncia l’imprinting massyssiano nel leggero accenno di sorriso, nella lirica vivacità degli occhi, animati da uno spirito mutevole ed enigmatico, nell’affusolata architettura della mani e, soprattutto, nell’incarnato di porcellana che caratterizza l’intera figura, quasi fossimo al cospetto di una statua infusa di spirito e levigata in quella perfezione formale che distingue un Maestro da un semplice artigiano. -
Pietro MeraLe Tentazioni di Sant'AntonioOlio su rame
1590 - 1610 ca.
Raro paesaggista attivo in Italia e documentato a Venezia e Firenze. Il suo stile si pone a cavallo tra le istanze del manierismo internazionale e la pittura di pieno ‘600. Scarse le informazioni sulla sua vita, ma dallo stile e dal soprannome italiano, si deduce una forte influenza della pittura veneta, anche attraverso la mediazione di altri fiamminghi attivi in Italia, quali il Pozzoserrato e Paolo Fiammingo. L’episodio rappresentato è quello celebre delle Tentazioni di Sant’Antonio, che però, nella lettura del Mera, sono ridotte alla presenza di due soli personaggi, nei quali il Demonio è rappresentato con le fattezze di un satiro classicheggiante. La scena è ambientata alle soglie di un fitto bosco che si apre su una veduta celeste dai colori vividi, amplificati anche dalla scelta del rame come supporto pittorico. -
Gillis MostaertL'Ingresso di Cristo a Gerusalemmeolio su tavola, cm 35x44.
Archiviato presso RKD come opera certa dell’autore.
Gillis Moastaert (1528 - 1598). Pittore specialista di paesaggi e appartenente alla scuola fiamminga della seconda metà del XVI secolo. Il suo stile, sempre raffinato, caratteristico, ricco di colori e minuziosamente vivace nella narrazione dei personaggi, si muove tra influenze ancora legate alla prima generazione dei Paesaggisti (Patinir, Mandijn, etc) e gli aggiornamenti che il mondo dei Brueghel stava portando nella pittura dell'epoca. -
Nicolas Neufchatel (conosciuto anche come Nicolas Lucidel)Ritratto di Uomo con LetteraOlio su tavola
30,2x23,8 cm
1550 ca.
Expertise Jan de Maere.
Le prime notizie su Nicolas Lucidel si trovano negli archivi della Corporazione di San Luca di Anversa, dove viene chiamato Colyn van Nieucasteel e viene definito allievo del pittore Pieter Coecke van Aelst nell'anno 1539. Come studente ad Anversa, Neufchatel entrò in contatto con i lavori di Frans Floris, Willem Key, e altri maestri attivi negli anni '40 del 1500. Dal 1561 al 1567 visse a Norimberga. Sembra che si trasferì in Germania per motivi religiosi; il 23 luglio del 1567, il consiglio cittadino lo ammonì dal partecipare alle "sommosse" dei calvinisti. Il nostro ritratto mostra uno stile evoluto e molteplici influenze stilistiche, compresa una certa attenzione alla ritrattistica italiana del ‘500. In ogni caso, il forte naturalismo dei molti dettagli che costellano il volto del personaggio segue la tipica attenzione fiamminga per la resa naturalistica della realtà. -
Adam van NoortMadonna con Bambino e San GiuseppeOlio su tavola
79,4 x 56,8 cm
1580 ca.
Archiviato presso RKD come opera certa dell’autore.
Definito da van Mander nel 1604 un "abilissimo pittore di personaggi", van Noort si inserisce nel solco della pittura fiamminga già influenzata dall'arte italiana, il cui punto di contatto con la pittura nordica è avvenuto proprio nei suoi anni. Così estraneo alla moda predominante, Van Noort dirigeva uno degli atelier più popolari di Anversa e poteva contare un gran numero di allievi, tra cui quelli che negli anni successivi sarebbero diventati grandi maestri della pittura come Rubens (a partire dal 1592) e Van Dyck, che realizzò un famoso ritratto del maestro. Noto per i suoi umori alterni, la sua vita di libertino e, spesso, la sua violenza, van Noort era sempre cosciente dei propri limiti e della bravura dei propri allievi, indirizzandoli alla carriera anche attraverso la collaborazione con l'atelier di Otto van Veen. Le sue opere furono principalmente di soggetto biblico o allegorico e non si sono conservati ritratti realizzati per la Sint-Lucasgilde, di cui era membro. L’opera, proveniente dalla prestigiosa collezione Goudstikker, è oggi considerata tra le più significative -e certe d’attribuzione- ancora in mano a privati. Nonostante il soggetto religioso, la scena è trattata con estremo naturalismo, puntando a raffigurare più un semplice rapporto madre-figlio in un momento di lirica intimità piuttosto che qualcosa di magniloquente e accademico. La culla scolpita, assieme a dettagli quali il cuscino e il filo di perle sulla fronte della Madonna, sono rimarchevoli per resa realistica. I paneggi, l’incarnato e le architetture sullo sfondo, invece, sono di chiara influenza italiana. -
Isaac van OostenPaesaggio con Viandanti e CavaliereOlio su tavola
36x54 cm
1640 ca.
Van Oosten fu un celebre pittore di Anversa specializzato nel genere del paesaggio così come lo aveva concepito Jan Brueghel dei Velluti, di cui può considerarsi uno dei migliori seguaci. Successivamente collaborò sia con Jan Brueghel il Giovane (con il quale, in funzione del suo alto livello qualitativo, sovente vengono confuse alcune opere) che con i pittori della generazione successiva, quali Jan Wildens e Willem van Herp. Il suo ductus pittorico, come nel caso del nostro paesaggio, dispiega in maniera antologica tutte le caratteristiche dello “stile brueghel”: minuzia dei dettagli, gradazioni cromatiche per la divisione dello spazio in zone (dai toni caldi e bruni del primo piano, fino al verde e all’azzurro del secondo piano), eleganza compositiva e idealizzazione dello spazio naturale (osservabili nel sinuoso albero in primo piano, che divide la scena in due zone) e quel generale tono di ridente serenità che conferisce alla Natura un’accezione spiccatamente arcadica. Di squisita fattura sono la casa che si scorge a sinistra, indagata in ogni suo dettaglio e rifinita per mezzo di una serie di delicate velature e soprattutto la vallata di tonalità acquamarina che occupa l’interezza del secondo piano, popolata da mucche, pastori e strutture architettoniche di fantasia, prima di lasciare spazio ad un fitto bosco che si confonde con l’atmosfera dell’orizzonte. -
Adriaen van OverbekeL'AscensioneOlio su tavola
142x74 cm
1516 ca.
Si ringrazia il Professor Peter van den Brink per aver confermato la paternità dell'opera. Adrian van Overbeke (un tempo conosciuto con lo pseudonimo di “Maestro della Crocifissione di Anversa”) fu una delle più tipiche personalità del così detto Manierismo di Anversa. La prolifica bottega di cui fu a capo era specializzata nella produzione di grandi polittici, ottenuti per mezzo di un caratteristico assemblaggio di sportelli dipinti e nicchie occupate da sculture policrome: questi grandi “macchinari religiosi” ebbero larga diffusione in Europa settentrionale durante la prima metà del XVII secolo e sono documentate commissioni anche in Scandinavia e Polonia. Oggi, molti di questi polittici sono andati perduti e smembrati tra collezioni private e musei, costituendo una rara e preziosa documentazione della più tipica produzione fiamminga di primo ‘500. Non fa eccezione il nostro sportello, proveniente da un’importante collezione nobiliare romana e raffigurante l’Ascensione di Cristo. L’opera, come sottolineato dal Professor van den Brink, è strettamente legata agli sportelli oggi conservati al Bonennfanten Museum di Maastricht, ma le sue dimensioni, superiori ai pannelli olandesi, ricollegano il dipinto ad un altro polittico, molto probabilmente quello (fino ad oggi perduto in ogni sua parte) destinato alla cattedrale di Kempen, nel Rhineland. Stringenti comparazioni stilistiche, rese più facili dalla reiterazione del medesimo soggetto, possono essere compiute con estrema facilità, ad esempio, con i due pannelli offerti da Christie’s Amsterdam nel 2014 (come “scuola di Anversa”, poi assegnati a Van Overbeke), in cui l’impostazione spaziale, le fisionomie dei personaggi (praticamente identiche, come nel caso della Vergine), i colori, le forme allungate e stravaganti ed i dettagli anatomici di mani e piedi si ripetono in modo pressoché speculare. Questo stile, così anticlassico ed esasperato, fu ciò che rese popolare la pittura anversese del primo ‘500, perché seppe giocare tra istanze revivalistiche e ricerca di un linguaggio figurativo facilmente riconoscibile dallo spettatore, che così poteva immediatamente riconoscere un’opera fiamminga per l’uso di colori sgargianti, espressioni e pose estreme, costruzioni architettoniche e geografiche innaturali e bizzarre, all’insegna di uno stile “ipergotico” che però si avvaleva di perizia tecnica e mezzi pittorici pienamente rinascimentali. Oltre alla grande evidenza del dato qualitativo (discontinuo in altre opere, in funzione del grande numero di collaboratori di cui van Overbeke si serviva), vogliamo sottolineare l’importanza della riscoperta storico artistica, valorizzata ulteriormente dall’accurato restauro che è stato eseguito. Infatti, come si evince dalla foto pre-pulitura, la parte superiore del dipinto era stata coperta e modificata, secondo un gusto mediterraneo, volto a stemprare l’accentuata stravaganza dell’invenzione iconografica. La figura di Cristo, che così curiosamente levita in aria e trapassa dall’universo fisico a quello metafisico e atemporale che si apre in mezzo alle nuvole per lasciar intravedere l’oro del Paradiso, era stata cambiata di colore, coperta e inserita dentro l’apertura, come se si stesse affacciando da un balcone, ma in totale incoerenza con l’impostazione spaziale della scena. Inoltre, le impronte ora visibili sulla cima del monte (rimaste impresse nella terra, secondo la tradizione cristiana) erano state anch’esse coperte. L’accurata pulitura, che ha riportato alla luce la qualità originaria dell’opera -e la squillante gamma cromatica che la distingue- ha fatto riemergere ognuno dei dettagli prima occultati e perfettamente conservati sotto lo strato moderno di pittura e verniciatura. Lo sportello, che a tutt’oggi è quello di maggior dimensione tra i superstiti di van Overbeke, rappresenta dunque un unicum nella produzione dell’autore ed una nuova aggiunta al suo esiguo catalogo, costituendo con ogni probabilità, l’unica parte (almeno oggi nota) di uno dei polittici destinati alle cattedrali europee di cui abbiamo accennato all’inizio. -
Frans Pourbus IRitratto di Giovane UomoOlio su tavola
19,5x15,5 cm
Inscritto in altro a sinistra “1563”.
Si ringrazia il Professor Koenraad Jonckheere per aver confermato la paternità dell'opera. I ritratti di Frans Pourbus I dimostrano notevoli capacità di osservazione. Le caratteristiche dell'uomo nel nostro ritratto, con l'epidermide delicatamente modellata, il viso ovale, gli zigomi alti, il naso tondeggiante e gli occhi vivaci sono narrati con spiccato acume. Lo sguardo è diretto allo spettatore e lo segue con attenzione. Il ritratto nel suo insieme è un astuto studio psicologico di un uomo nel fiore degli anni, presumibilmente verso i trent'anni. Questo piccolo ritratto proviene da una prestigiosa provenienza, la collezione del Duca di Hamilton durante il XIX secolo e, successivamente, attraverso alcune nobili proprietà, una collezione romana patrizia. Tutti i passaggi di proprietà, dal 1882, sono documentati attraverso le etichette apposte sul retro del dipinto. -
Martin RyckaertPaesaggio fluviale con pescatori e contadiniolio su rame
cm 19x27
1620 ca.
Martin Ryckaert nacque ad Anversa nel 1587, con un braccio solo. Ma la sua condizione non gli impedì affatto di diventare uno dei più celebri e abili pittori di paesaggio del pieno ‘600, in taluni casi in grado di eguagliare i Brueghel in abilità pittorica ed utilizzo del colore. Uomo affabile, raffinato e sofisticato, membro della Camera di Retorica: le sue caratteristiche umane si riverberano nei suoi quadri. Il suo stile inconfondibile si declina alla perfezione con paesaggi di piccolo formato, preferibilmente su rame, secondo i più canonici dettami della pittura fiamminga. Le scene amate da Ryckaert sono tutte dedicate alla gioconde vicende di piccoli villaggi, quasi sempre immaginari, in cui si affaccendano con allegra operosità una serie di personaggi squisitamente aneddotici. Nulla di differente da ciò avviene anche nella nostra opera, che immortala il passaggio di alcuni contadini da un lato all’altro del fiume. -
Kerstiaen de KeuninckPaesaggio Montuoso con Tobiolo e l'Angeloolio su tavola
Cm 110x85
1610-15
Arcaico paesaggista di Anversa nello stile di T.Verhaecht e R.Savery. Dipinse preferibilmente paesaggi montuosi boscosi con grandi piante, vallate talvolta animate da piccole figure Bibliche in primo piano. Sua caratteristica è la lumeggiatura che nel paesaggio ha una serie di raggi obliqui lucenti che a loro volta intersecano il cielo creando cosi una atmosfera irreale e fantastica. A differenza di Jan Brueghel il Vecchio, che era una figura di spicco nello sviluppo della pittura paesaggistica realistica, Kerstiaen de Keuninck continuò la tradizione fiamminga di scenari di montagna immaginari che discendevano da Patinir. Questa grande veduta panoramica, dominata da fantastiche montagne e formazioni rocciose, è una delle prime opere dell'artista e probabilmente fu dipinta ad Anversa. Illustra la sua preoccupazione per gli effetti pittorici contrastanti - come i passaggi appesantiti da una vernice opaca in contrapposizione con aree disegnate con un tratto molto sottile - e con motivi audaci come lo spruzzo d'acqua formato dal tocco del pennello. In questo artista, a differenza di autori come Martin Ryckaert, la Natura è caratterizzata da un’atmosfera sovrastante, in cui le figure umane si perdono lungo sentieri tortuosi, alle pendici di formazione rocciose immense, ben oltre il plausibile, senza troppa attenzione per le proporzioni, ma anzi con estro volutamente accentuato: l’obbiettivo è sottolineare gli aspetti più selvatici della Natura, vista come elemento difficilmente domabile e come simbolo -di sapore biblico- dell’insignificanza dell’Uomo rispetto al Cosmo. -
Jan Woutersz detto StapPonzio Pilato che si lava le maniolio su tavola cm 106,6x75,1
opera databile 1630 ca.
L'autore ha scelto una composizione inconsueta per narrare il noto episodio evangelico in cui il prefetto romano si “lava le mani” dall'imminente uccisione di Cristo. Quest'ultimo, infatti, è escluso dalla scena, concentrando tutta l'attenzione sul personaggio in turbante e sul suo assistente che, come suggerisce la scritta in ebraico sul bordo del berretto, è un membro del Sinedrio che sta aizzando Pilato. Lo stemma con l'aquila posto in cima al seggio è un riferimento all'Impero Romano. Stap è una figura anomala nel panorama della pittura olandese del primo '600, tanto che, proprio in funzione delle sue deliberate scelte arcaizzanti, fu a lungo ritenuto essere un pittore del pieno '500, finchè alcune ricerche d'archivio non hanno contribuito a fare luce sulla sua biografia. Il panneggio cremisi e le linee marcatamente spezzate non consentono di accostare lo Stap nè al caravaggismo propriamente detto nè ad autori quali Jan Lievens, nonostante un qualche paragone compositivo sia stato suggerito per quanto riguarda la tavola qui in oggetto. Altresì, occorre ricordare il clima culturale tardomanierista e la lezione artistica di Abraham Bloemaert per l'Olanda del primo '600, sebbene risulti veramente difficile incasellare lo Stap entro una corrente ben precisa (e forse potremmo comodamente definirlo un “tardo allievo spirituale dei Massys”). In ogni caso, l'opera è considerata tra le più importanti realizzate dall'artista e vanta la publicazione sull'unico studio specialistico che sia mai stato condotto sopra questo accattivante pittore olandese. Oltre ai già citati riferimenti simbolici, l’opera è al tempo stesso un grande saggio di naturalismo nella resa di dettagli quali le rughe delle mani, i capelli, le barbe dei personaggi ed il bacile metallico e un’affascinante spettacolo cromatico, in cui il rosso del mantello di Pilato ed il bianco luminoso del turbante contrastano con il punto d’ombra centrale da cui emergono le mani e la brocca ricolma d’acqua: un turbinio di mani simbolicamente caratterizzate ed una qualità coloristica smagliante che accentua ulteriormente la grande qualità di un’opera capitale nel catalogo dell’autore. -
Jan VermeulenVanitasOolio su tavola, 42.5 x 55.5 cm
firmato col monogramma: “VMj”
Enigmatico pittore di Haarlem specializzato in natura morte a tema Vanitas, ove sovente il teschio si presenta accompagnato con specchi e strumenti artistici. La presente opera è una delle poche firmate e pertanto rappresenta un'importante documento nella ricostruzione del catalogo pittorico dell'autore.